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  • De Francia a El Galpón de las Artes: Una noche de cine y circo

    De Francia a El Galpón de las Artes: Una noche de cine y circo

    ​En el escenario de Jujuy 2755 también se pueden disfrutar de proyecciones cinematográficas. Este viernes se podrán ver los cortometrajes: “Solo”, de Marcos Janna y “Zampano”, del director francés Teilo Quillard protagonizado por el marplatense Luca Ruiz Miceli junto a su compañera francesa Ambre. 

     El Galpón de las Artes continúa celebrando 30 años de cobijar diferentes lenguajes artísticos. Y en esta temporada no podía faltar una noche cinematográfica. Es por eso que para cerrar el primer mes del año, se proyectarán dos cortometrajes: “Solo”, de Marcos Janna, y el premiado film francés “Zampano”, dirigido por Teilo Quillard, una propuesta que llega de la mano de sus protagonistas Luca Ruiz Miceli y Ambre Ruiz Miceli Porcel, quienes conversarán sobre su experiencia filmando a 20 metros de altura y cómo son sus días como artistas circenses en Europa.

    Luca Ruiz Miceli no es un extraño para la cultura marplatense. Hijo del director, profesor y actor Juan Ruiz y de la actriz y profesora Mónica Miceli. Criado en el Centro Cultural La Panadería, a los 21 años partió a Europa buscando nuevos aires. Me fui buscando expandir y al mismo tiempo conectar con este arte francés. En Francia hay mucha mezcla de artes: de danza, circo contemporáneo, de teatro físico, de cine… y que no se encuentra fácilmente en otra parte del mundo. Y el empezar por el circo fue, sobre todo, una cuestión estratégica, porque yo no sabía hablar mucho francés”, admite.

    De Francia a El Galpón de las Artes: Una noche de cine y circo

    ​En el escenario de Jujuy 2755 también se pueden disfrutar de proyecciones cinematográficas. Este…

    “Solo”, un cortometraje que indaga en la soledad de un mundo roto

    El Festival de Estrenos cierra con una historia ficcional de Marcos Janna producida íntegramente en…

    En el 2017 entró en “L’Ecole Jules Verne”, hizo un año de trapecio fijo, y luego otro año en Palo Chino, en lo que se denomina la “formation tremplin” para artistas que buscan profundizar un proyecto o vienen de otras partes del mundo. En Argentina, su gran maestra fue Ana Diab y ella fue quien le fue abriendo, junto con su hermano Facundo Diab, algunas intuiciones de lugares posibles.

    “Ingresé a Jules Verne con un número de clown que había armado un día antes y una sola frase en francés: «Madame, Monsieur, l’amour». Entre caídas de circo y una técnica improvisada sobre el trapecio fijo que hizo reír, funcionó. Yo estaba feliz de actuar en esa sala tan hermosa de Amiens. Las cosas se dieron y, al final, terminé entrando”, comparte. 

    En este sentido sostiene: “Al principio, fue muy gracioso y triste. No sabía si había quedado para realizar esos exámenes, no había entendido el correo en francés. Así que agarré y fui a preguntar personalmente; la mañana del sábado de exámenes, por las dudas. Me tomé el tren a la ciudad de Amiens, porque quedaba a unas horas de París. No había entrado a una de las dos formaciones por mi estatus de extranjero, pero que estaba inscripto para pasar los exámenes para la formación Tremplin”.

    “Como hijo de actores, por las dudas y ante cualquier situación, en el bolso tenía un pantalón y una remera a rayas; un artista, como los médicos, tiene que estar preparado para cualquier situación, no se sabe cuándo uno tendrá que hacer un número. Y ahí, con la fuerza del viajero o del que está cerquita de sus metas, busqué probar suerte”.

    Para poder dimensionar, los exámenes son de acrobacia, verticales, elongación, musicalidad, expresividad y, luego, para los que lo deseen pueden mostrar un número. “Me acuerdo que, justo después de la instancia de números, está la charla con el equipo pedagógico de la escuela donde presentas tu proyecto de lo que buscas hacer. Y el director me decía que iba a ser difícil para mí, porque la formación era paga y la carga horaria, mucha, como para trabajar”, explica. 

    “Todo mi comienzo de la formación me la pasé viajando durante meses hasta París, todos los fines de semana para llegar muy temprano en tren a mi trabajo de camarero; dormía donde se podía los sábados a la noche, y los domingos luego de la jornada, me volvía en el último tren a las corridas, para empezar de nuevo mi escuela de circo los lunes. Yo estaba muy feliz. Por suerte después encontré un laburo en Amiens, no iba a poder sobrevivir si no”, revive.

    Allí conoció a Ambre, su compañera de vida y de distintas disciplinas circenses como “mano a mano”, “palo chino” y clown. Con ella creó luego el Dúo llamado Haut Del Alto, y años después ingresaron en la Compagnie Soul Canopy, dirigidos por el gran maestro Boris Vigneron.  Actualmente desarrollan su carrera con proyectos de acción social y cultural, realizan espectáculos y crean proyectos pedagógicos en escuelas de bastantes ciudades del sur de Francia.

    Y este año confirmaron su camino con la representación de la premier de su espectáculo “A Temps” para el pôle national de cirque La Verrerie d’Alès, en el festival InCircus2025. “Es un gran logro, sabiendo que ninguno de los dos ha salido de escuelas superiores”, subraya Luca.

    De viaje en Argentina, surgió la posibilidad de proyectar el cortometraje “Zampano”  que viene cosechando reconocimientos en festivales de cine. Es por eso que la “Noche de Cine Sin Barreras de Boletería” contará con una presentación a la gala, de la mano de la Compagnie Soul Canopy, y su número de mano a mano “Par Ici”. Además, al cierre se abrirá el espacio para conversar sobre las producciones con sus realizadores y artistas.

    Para Luca, presentar este trabajo en los 30 años de El Galpón de las Artes tiene un sabor a “pequeño logro y victoria” después de tanto camino recorrido. “El Galpón es un hogar para mí. Volver y poder compartir para mí lo que significa este regalo, me hace recuperar confianza y fuerza para seguir construyendo allá”, confiesa con emoción.

    ​Zampano: Superar el vértigo para encontrar el propio vuelo

    En Francia, Luca descubrió otra realidad para desarrollarse como artista circense, ya que hay un circuito gigantesco. “Son casi como universidades; los estudiantes que salen de la escuela presentan sus proyectos que pueden ser obras, arman compañías, cuentan con una red muy grande de difusión”, describe y agrega: “hay un estatus de artista que reconoce tu 《métier》, y cuando uno no está trabajando, se recibe un acompañamiento económico para solventar la vida”.

    Luca y Ambre trabajan como artistas, pero también como docentes de circo en la escuela “Le Salto d’Ales” y allí surgió la conexión para ser parte del proyecto cinematográfico. Ambos protagonizan “Zampano”, un cortometraje de ficción que nació en el seno de la formación “La Résidence” de la prestigiosa universidad de cine La Fémis (Francia), donde entran al año muy pocas personas, una de ellas el joven y talentoso realizador Teilo Quillard.

    La historia de “Zampano” sigue a un joven que, ante el regreso de la vieja compañía de circo de su padre, busca escapar y seguir a Nina, la trapecista de la que está enamorado. Pero hay un obstáculo físico y simbólico: el vértigo.

    “Hay una sensación muy ilógica para el cuerpo: hay que buscar el punto de gravedad cero en la suspensión máxima para soltarse. La estructura es muy alta, todo se mueve y todo se ve chiquito. Es todo muy impresionante”, explica Luca sobre el desafío técnico del trapecio de vuelo.

    ​Para Ambre, el rodaje fue una apuesta a la confianza: “Tuvimos que ir hacia lo que nos daba más miedo. Fue una experiencia hermosa. Y el equipo fue un lujo. “Zampano” fue también mi primer proyecto cinematográfico. Y toda la gente fue muy buena con nosotros”. Originaria de la región de Burdeos (Francia), desde muy joven entendió que su lugar estaba en el escenario. Su formación comenzó en un bachillerato con especialización en artes del circo (Lycée option cirque) y decidida a alcanzar la excelencia técnica, continuó en la prestigiosa Escuela de Circo Jules Verne de Amiens. A su vez, profundizó sus conocimientos en “Labo du salto” de la escuela laboratorio de circo “Le Salto” (Alès), sumergiéndose en el clown sensible. Esta experiencia fue clave para definir su identidad artística, fusionando la destreza física con la emoción. Siempre en evolución, recientemente se formó profesionalmente en acrobacia de acción como Doble de riesgo (Campus Univers Cascades. Paris, France).

    “Hay que tener en cuenta el viento porque encima la plataforma se mueve, por suerte, porque tiene que estar preparada para recibir el impulso”, describe Ambre. 

    Esta versatilidad física y actoral alcanzó su punto máximo en el cine. En el cortometraje “Zampano”, Ambre interpreta a Nina, uno de los personajes principales y el interés amoroso del protagonista. Para este papel, al igual que su compañero, asumió un reto físico extraordinario: tuvo que aprender y dominar el trapecio de vuelo específicamente para el rodaje, demostrando una vez más su capacidad de entrega total al servicio de la historia.

    —¿Cómo llegó la propuesta para filmar Zampano?

    —Luca: Nosotros además de trabajar como artistas damos clases de circo para subsistir, eso lo aprendí de mis padres. Un día estábamos dando clases en la escuela y llegó Teilo (director) con el proyecto y buscando trapecistas de vuelo. Yo había hecho una vez en Buenos Aires.

    —Ambre: Si, muy poco. Yo había hecho trapecio de vuelo con amigos para divertirme pero para desarrollar la disciplina necesitas mucha estructura.

    —¿Y qué los hizo aceptar?

    —Luca: Teilo, cómo nos presentó el proyecto y es una gran persona. Es un gran aliado, hoy en día. Él salió de la Universidad de Cine Le Femmis, para el ingreso presentó este proyecto y era su residencia. Quería contar esta historia y que transcurre en un mundo de circo porque su familia es de circo.

     —Ambre: Es un hermoso, viene de una familia de circo desde siempre y es un poco su historia, sin serlo, con un poco de ficción pero esta cuestión de nacer en una familia que hace circo y que él tiene que volar

    —Luca: claro, tiene que hacer su propio camino y un poco es el rol en el que estuvimos.

    — Imagino que hacer trapecio de vuelo provoca mucha adrenalina ¿Cómo fue encarar ese desafío?

     — Luca: es una sensación muy bonita, estamos a 20 metros del piso

     —Ambre: Desde el punto máximo hay 20 metros pero desde la plataforma hasta la red habrá entre 12 – 14 metros.

     —Con solo imaginar me da vértigo

     —Ambre: hay que tener en cuenta el viento porque encima la plataforma se mueve, por suerte, porque tiene que estar preparada para recibir ese movimiento también, el impulso.

     —Luca: hay una sensación muy ilógica para el cuerpo, hay que buscar el punto más alto para poder soltarse porque cuando estás en ese punto es la gravedad cero, cuando estás en el aire y si te soltas antes vas para adelante y si te soltas más tarde te vas para atrás; hay que buscar el momento justo donde estás en la suspensión máxima.

     — Ambre: es muy loco porque tenés que ir a lo que te da más miedo. Pero Teilo vino a buscar trapecistas, hablamos con él fue una sensación muy linda y dijimos tenemos que hacerlo

     — Luca: es un proyecto que sale de la escuela, fuimos a ponerle cuerpo a la historia y que nos sirva de experiencia. Fue una experiencia muy bonita, el equipo fue muy lindo y hace dos meses llegó el premio a Mejor interpretación masculina en un Festival de Paris y Mejor Cortometraje de bolsillo, porque fue producido de manera independiente.

     —¿Qué significa proyectar Zampano en una temporada tan especial donde El Galpón de las Artes está celebrando 30 años?

     —Luca: El Galpón es un hogar para mí para mi papá, estamos a unos metros del Centro Cultural La Panaderia, hubo mucha relación y enlace durante estos años, crecí y me crié acá entonces volver en este marco es una pequeña “victoria” con esta película, me pone muy contento, yo estoy muy emocionado. El viernes 30 va a ser un momento para compartir sabiendo que uno vuelve a Francia y allá estamos construyendo cosas muy hermosas. Es una sensación de estar en todos lados y en ninguno al mismo tiempo. Irnos con este regalo de presentar el cortometraje acá con tanta gente bonita a mí me significa recuperar confianza, fuerza y energía para meterle de lleno al regreso. 

    Próxima proyección: Viernes 30 de enero, 21.30hs

  • “Solo”, un cortometraje que indaga en la soledad de un mundo roto

    “Solo”, un cortometraje que indaga en la soledad de un mundo roto

    ​El Festival de Estrenos culmina con una película producida y filmada en Mar del Plata. El realizador audiovisual Marcos Janna presenta “Solo”, un cortometraje que se gestó en la ciudad y que promete interpelar al espectador sobre la naturaleza de la soledad en un mundo fragmentado.

    La elección de El Galpón de las Artes no es casual para el estreno del cortometraje, Marcos Janna destaca que la sala está equipada para brindar una proyección de “excelente calidad de imagen y sonido” y fue un espacio clave en la etapa de financiación del corto.

    Próxima proyección: Viernes 30 de enero, 21.30hs

     

    ​”La soledad no era un tema que me preocupaba, que no me interpelaba y quise indagar ahí… y vi que por ahí por esquivarle al tema de la soledad evidentemente sí es algo que me pega”

    El film de 20 minutos de duración nació de una inquietud temática sobre la soledad, un estado que Janna reconoce quelo interpelaba profundamente. “Solo” es interpretada por Pedro Benitez, Juan Ruiz, Ana Juárez, Emai Magenta Malmierca, León Quevedo y Lucía Medjurechan.

    Detrás de escena Paola Carobino y Santiago Maisonnave acompañaron en la dirección, Paula Latorre en Asistencia de Dirección en Set, la producción estuvo a cargo de Sol Pombo, Bruno Vallejos como Asistente de Producción, la Dirección de Fotografía es de Marcelo Rondinone y la asistencia es de Gonzalo Di Trana, Cámara de Paola Carobino y Leonardo Florentino como ayudante de fotografía. 

    ​¿Qué te inspiró a filmar “Solo”?

    En este caso la idea no vino desde el guion o una imagen sino a través de la temática. Nunca había arrancado por este lado. Lo primero que hice fue juntarme con  con gente del audiovisual, al primero que le compartí esta inquietud fue a Demian Basualdo y después de mucho tiempo de intercambio de ideas empezar a surgir imágenes, se lo compartí  a Mariano Salinas y Santiago Maisonnave, y entre los cuatro empezamos a crear el guion. Después hay varios subtemas, en definitiva la historia principal tiene que ver con los vínculos, con la sociedad, con el futuro y lo que conjuga y afecta a la soledad.

    “Las imágenes sueltas se fueron encadenando y así surgió un corto de 20 minutos”. 

    ¿En dónde se sitúa la historia?

    Está ambientada en un presente alterno, un futuro próximo en una sociedad pre apocalíptica, de escasez, una sociedad fragmentada.

    ¿Qué referencias tenés o compartís con el equipo?

    En grupo hablamos mucho de las referencias que después no se si se tradujeron en concreto pero sí de directores de cine Lanthimos, Lars von Trier, desde el punto de vista de la narración, la fragmentación o montaje que eso está aplicado de algún modo; en los ambientes sonoros hay referencias a David Lynch, referencias hasta inconscientes. Las referencias fueron más audiovisuales. 

    La industria audiovisual es compleja ¿Por qué elegiste El Galpón de las Artes para estrenarla?

    No hay muchas salas independientes en Mar del Plata para proyectar con esta calidad de imagen y sonido. Me parece un espacio  importante porque el realizador audiovisual no tiene contacto con el público, hay circuitos de festivales pero la película va sola y no tenés esa interacción con el público que para mí es muy importante, el caso del músico, el actor que tiene esa reacción en el momento. Es un trabajo un poco solitario con respecto al intercambio y estar en tu propia ciudad con un espacio así donde después se pueda dar una charla, una devolución o un mínimo intercambio de pasillo se celebra un montón. Ni hablar que acá es mi casa, siempre la idea inicial fue proyectar el corto en El Galpón de las Artes porque además hicieron un apoyo muy importante, la sala se abrió para que podamos recaudar dinero y poder financiarlo que fue todo autofinanciado de forma independiente.

    Desde la idea al montaje final ¿Cuánto tiempo te llevó este proyecto?

    Tiempos de preproducción, producción, filmación y montaje: la idea surgió hace tres años atrás, hace un año y medio empezó a escribirse el guion. Entre la escritura del guion y el comienzo del rodaje, toda la preproducción pasaron ocho meses. El rodaje fueron siete jornadas porque fueron locaciones muy variadas, y después la postproducción fue de abril a agosto. 

    Una vez que pase el estreno ¿Qué recorrido te gustaría que tenga “Solo”?

    El recorrido del cortometraje es de festivales que de con el formato tanto de tiempo como de temática, y moverlo por todos lados tanto de forma local como nacional y que se vea. Va a tener un par de años de proyección en pantalla hasta llegar a plataformas digitales. Lo importante para mi es que se vea en pantalla grande. No soy de sueños festivaleros pero me encantaría que no viaje sola sino que alguien del equipo esté acompañando, en eso descanso mucho porque cualquiera del equipo la va a representar muy bien porque es una película muy colectiva y cada uno va  a poder compartir su mirada.

    El objetivo principal de “Solo” no es dar respuestas, sino generar preguntas y compartir la visión de este “mundo roto” ilustrado en el filme. En definitiva, la experiencia más importante para el realizador es que la obra se vea en pantalla grande y que se produzca el intercambio con el público, celebrando la posibilidad de este contacto directo en su propia ciudad.

    FICHA COMPLETA DE “SOLO”

    Dirección

    Marcos Janna

    Acompañamiento en Dirección

    Paola Carobino

    Santiago Maisonnave

    Dirección de Actores

    Santiago Maisonnave

    Asistencia de Dirección en Set

    Paula Latorre

    Guion

    Marcos Janna

    Santiago Maisonnave

    Mariano Salinas

    Demian Basualdo

    Producción

    Sol Pombo

    Asistente de Producción

    Bruno Vallejos

    Dirección de Fotografía

    Marcelo Rondinone

    Cámara

    Paola Carobino

    Asistente de Fotografía

    Gonzalo Di Trana

    Ayudante de Fotografía

    Leonardo Florentino

    Dirección de Arte

    Candela Chirino

    Asistentes de Arte

    Agustina Beatriz

    Paula Latorre

    Mariano Salinas

    Montaje / Edición

    Tomás Garri

    Esteban Scharovsky

    Vestuario

    Candela Chirino

    Maquillaje y Peinado

    Liliana Palermo

    Sonido Directo

    Santiago Alvaro

    Demian Basualdo

    Diseño Sonoro / Postproducción de Sonido

    Santiago Alvaro

    Demian Basualdo

    Música Original

    Demian Basualdo

    Corrección de Color

    Marcelo Rondinone

    Gráficos / Títulos

    Bruno Vallejos

    Foto Fija

    Victoria Freijo

    Dirección Casting Niñes

    Cecilia Dondero

    Elenco

    Pedro Benitez como Hugo

    Juan Ruiz como Luis

    Ana Juárez como Carmen

    Emai Magenta Malmierca como Niña

    León Quevedo como Niño

    Lucía Medjurechan como Difunta

  • Bonito Bonito: Un viaje sensorial para vivir la experiencia “casa – teatro” en El Galpón de las Artes

    Bonito Bonito: Un viaje sensorial para vivir la experiencia “casa – teatro” en El Galpón de las Artes

     “Bonito Bonito” de Mónica Arrech y Nahuel Porto Navarro muta a El Galpón de las Artes y es parte de la grilla del Festival de Estrenos. Junto a Ayelén Basualdo, la obra propone un quiebre en la convención teatral, explorando el sentido a través de la intimidad y la percepción que propone, en esta oportunidad, la “casa – teatro”. 

    La obra, que forma parte del Festival de Estrenos, es el resultado de un proceso creativo que comenzó en el interior de una casa real, y que ahora se “muda” al teatro con la promesa de estimular la percepción del público. El domingo 23 de noviembre a las 21:30, el escenario de El Galpón de las Artes (Jujuy 2755) se convertirá en un espacio de intimidad y juego con Bonito Bonito. Las reservas están disponibles a través del siguiente enlace: https://www.galponartes.com/espectaculo/bonito-bonito/

    Originalmente, la pieza se gestó a partir de “pequeños momentos,” utilizando cada rincón de un espacio cotidiano, la casa de Mónica Arrech. “Adoramos cada objeto, cada detalle de la casa; es una mudanza la que estamos haciendo ahora”, explica.

    La incorporación de Ayelén Basualdo al elenco este año sumó un nuevo dinamismo. Aunque se integró inicialmente para la asistencia y el orden —el equipo confiesa ser “un quilombo” que cambiaba la obra en cada función—, ahora va a actuar. 

    ​De la intimidad al escenario: Un Teatro de sensaciones

    ¿En qué contexto nació Bonito Bonito?

    Mónica: En mi casa tengo un taller con muchas telas, tijeras, máquinas, objetos colgando y todo quedaba en uso y se trabajaba en eso, a partir de ahí empezamos a trabajar con Nahu con una palabra y una idea. 

    Nahu: La primera palabra se perdió y la idea también, empezamos a jugar. Para mí estuvo bueno lo de la casa de Moni como también correr de cierta centralidad el rol de la actuación y ver que hay un montón de cosas que están operando y poner la conciencia ahí. Para mí fue una exploración, Moni frena en lugares donde yo no frenaría o pondría texto, haría bardo y me dice pará; y ahí aparecen texturas, olores, el tiempo de las cosas. Por lo menos para mí que vengo de una actuación histriónica, engomada, exagerada bajar un cambio estuvo bueno. 

    Está bueno ir más allá del desafío espacial y ver qué propone ese lugar, porque la adaptación es muy diferente. También en lo actoral, intentamos despojarnos de ciertos modismos, por lo pronto es lo que me interesó de la búsqueda. 

    ¿Cómo fue esa exploración?

    Monica: Hacíamos ensayos de muchas horas, seis horas de trabajo bastante intensas. Empezó con una idea y terminó corridísimo. Todos nos parecía que sí, no hubo muchos no; entonces todo fue más fácil. Y esto de la casa, la luz, de que haya olor a bizcochuelo, a café, los ruidos, de usar el lavarropas, la canilla y que se sienta el agua y darle tiempo a que la gente escuche. No los recibia nadie, eso era muy raro también y la gente tocaba la puerta decía Bonito Bonito y pasaba. La gente se movía sola por la casa, todos los ambientes. 

    Nahu: Era muy loco para la gente, el espacio teatral condiciona pero entrar a una casa desconocida era muy loco. 

    ​Es un gran cambio pasar de una casa a una “casa – teatro” ¿Cómo lo están transitando?

    Monica: Habíamos hecho todo un planteo inicial y lo tuvimos que cambiar. Para el público también, entrar a una casa desconocida como era la mía y moverse por ahí en la penumbra, los sacaba del lugar. En mi casa, ha pasado de personas que se han quedado sentadas en un sillón tildadas, como disfrutando lo que proponia ese lugar con sus luces y sombras. Tampoco nosotros imponemos nada. 

    Nahu: también es parte de la propuesta es decir a donde vayamos vamos a tener que adaptarnos a ese lugar para que la cosa sea. Después es todo un desafío, el espacio teatral condiciona por sus dimensiones a un espacio que no está contemplado como teatro. Eso también es muy interesante porque depende de la inquietud de cada espectador se puede ver hasta donde se la juega. Hay gente que en la casa de Moni se animó a meterse en cuartos donde no se animaban otras personas.

    ¿Cómo fue la incorporación de Ayelén?

    Monica: Ayelén se incorporó este año al equipo, nos hacía falta también un poco de orden, de asistencia. Nosotros no teníamos nada escrito. Inclusive para una misma función llegamos a tener dos flyers distintos para promocionar, porque a mí me parecía mejor uno y a Nahu otro. 

    Nahu: Somos un quilombo, cada vez que la hacíamos  cambiabamos todo.

    Ayelen: Para mi fue todo un momento, Nahu cuando me invitó y no me supo explicar muy bien la obra de qué se trataba. Mi propósito era claro, tenía que controlar a la gente y una vez que arrancó la función empecé a hacer otra cosa. Pasé el texto escrito, las canciones y ahora lo dimos vuelta, porque acá actúo. 

    La propuesta es para un espectador activo, con determinadas decisiones, no muy intensas pero sí pequeñas decisiones.

    ¿Qué buscan que se lleve el público con la obra?

    Nahu: Después de haber hablado con gente que la vio, se llevan sensaciones. A mí me flashó mucho que la gente se detiene en los olores o lo que hago con el personaje: en un momento abro una pava de esas silbadoras, y empieza a salir humito y yo estoy mirando, hay personas que se conmueven con esos momentos y es algo que esta muy corrido de donde yo suelo pensar la cosa. 

    Mónica: es eso, sensaciones, percepción. Acá nos va a cambiar mucho, va a ser muy distinto pero estamos muy dispuestos y tenemos unas ganas de traspasar esa motivación, esa sensación. Tenemos ganas de compartir con la gente, la casa, los momentos, todo lo que hemos pensado para ofrecerles para estimularlos, para degustar, saborear. Todo eso es lo que nos da ganas que la gente pueda disfrutar del espacio: la plazoleta, los pisos, las texturas, el café , los baños, las nuevas butacas, queremos que la gente mire esas butacas nuevas y que las disfrute. 

    ​​La obra, cuyo lema es cuestionar si “el final es otro comienzo,” busca que el público se lleve sensaciones y percepción. Previo a una función en un nuevo espacio el equipo extiende una invitación simple y tentadora a la sala que se está preparando para celebrar sus 30 años: “Que vengan a disfrutar de algo Bonito Bonito, es eso. Es simple, estamos preparando cosas Bonitas Bonitas.”

  • “(Silencio)”, una obra donde la corporalidad narra historias

    “(Silencio)”, una obra donde la corporalidad narra historias

    Tras siete años de números en varietes, Thomas Lacerenza y Mariano Rodriguez estrenan en El Galpón de las Artes su primera obra de teatro físico, un viaje sin palabras entre el humor y el drama, con un guiño al cine mudo. ​En escena, acompañan a los protagonistas Paula Goiburu y Soledad González, quienes participan en dos actos y asisten en los intermedios, sumando capas coreográficas a la propuesta. La función de “(Silencio)” será el próximo viernes 21 de noviembre y las reservas ya están disponibles. 

    ​En la cartelera del “Festival de Estrenos” de El Galpón de las Artes asoma una propuesta que se define por la ausencia del texto: “(Silencio)”. El debut será el viernes 21 de noviembre a las 21:30 y se recomienda reservar lugar a través del siguiente enlace https://www.galponartes.com/espectaculo/silencio/. Luego al finalizar la función se realiza un aporte económico según las posibilidades. 

    La obra marca el debut de Thomas Lacerenza y Mariano Rodriguez en la producción de teatro independiente, coronando una sociedad artística que nació hace siete años en un número de varieté. “Vimos que tenemos química y ahí decidimos encarar una obra”, cuenta Mariano, definiendo la puesta como una colección de “escenas distintas” que encuentran su cohesión en el teatro físico y el humor corporal, con música original en vivo.

    “Nos gusta que la obra provoque cierta similitud con lo que nos provoca a nosotros este tipo de arte. Hay elementos del cine mudo. Abordamos diferentes posibilidades, hay momentos de humor, otros dramáticos, otros donde hay más tensión, algo más de terror”.

    (Silencio) es una obra ambiciosa, con actos entrelazados por intermedios coreografiados y una música original que se vuelve un personaje más. El eje es lograr un “lenguaje universal” que se entienda sin importar el idioma.

    ​La influencia de los grandes maestros es palpable. La dupla confiesa su admiración por figuras como Charles Chaplin y su nieto, James Thierrée o Buster Keaton. De hecho, uno de los actos se convierte en una película muda en blanco y negro.

    UN DESAFÍO CARENTE DE PALABRAS

    ¿Cómo nació este proyecto?

    Mariano: Hace 7 años hicimos un número que después lo repetimos varias veces, nos llevamos muy bien porque hacemos teatro físico, humor físico y después hicimos otro. Vimos que tenemos química y ahí decidimos encarar una obra.

    ¿Qué referentes del teatro físico tienen?

    Mariano: Es difícil porque yo siento que estoy muy lejos de esas referencias, a mi hoy me inspira el nieto de Chaplin (James Thierrée), me deslumbra de una manera increíble. Chaplin también, el español (Hernan) Gené. Sin spoilear de qué se trata, hay uno de los actos que es en blanco y negro, es una película muda, la música es de ese estilo. Los actos son todos muy diferentes, en cuatro estamos juntos y cada uno tiene uno solo. 

    ¿Qué les gustaría generar con este espectáculo?

    Thomas: Nos gusta que la obra provoque cierta similitud con lo que provoca a nosotros este tipo de arte. De hecho hay elementos del cine mudo, Buster Keaton y su corporalidad de estos referentes y musicalmente también. Tiene diferentes climas, momentos y ritmos. Creo que quisimos abordar en este género diferentes posibilidades.

    ¿Qué desafíos tuvieron que atravesar?

    Mariano: Nos re divertimos, el desafío es individual más que juntos. Yo no soy mimo, entonces mi desafío es ensayar y hacerlo lo más personal posible y original. 

     Está todo inventado pero desde la música hasta la temática está obra es muy original por el formato. Creo que le apuntamos mucho a eso.

    Thomas: Nos complementamos bien. Nuestro deseo es expandir nuestras habilidades teatrales, y ponernos este desafío de estos números que requieren cierta corporalidad, cierto desafío físico, nos desafía a cada uno pero es verdad que como nos llevamos bien y nos divertimos mucho y eso también hace que no choquemos a la hora de crear una obra que no tiene texto, tiene otra forma de creación.

    ¿Por qué decidieron producir en El Galpón de las Artes?

    Thomas: Para mí El Galpón es como una casa, como público hasta crear la varieté que se hace hace tantos años (Infinito Punto Rojo), yo lo siento como un hogar y siempre tuve el deseo de hacer una obra acá y cuando nos abrieron las puertas para ensayar fue como un sueño. La sala es hermosa. También el hecho de trabajar a Cooperación Solidaria, la filosofía de la sala es importante para que no haya una barrera de acceso a la cultura, es algo que compartimos entre nosotros y con la sala.

    Mariano: Yo debuté acá con “Cambiá esa cara” y el número que hicimos fue en Infinito Punto Rojo, también acá. Y ahora más con toda la renovación, que sean todas butacas, necesitábamos altura y es una sala que siempre está en movimiento.

    ¿Cómo sienten que llegan al Festival de Estrenos?

    Mariano: Como todas las obras de teatro, justos pero bien. El 90% de la obra es nueva, original. Para una varieté no ensayabamos tanto, ahora hace un año lo estamos haciendo. 

    Thomas: Mismo los números que ya teníamos y haciamos en varietés, están más afinados.

     Llegar al Festival de Estrenos previo a los 30 años de El Galpón de las Artes es un hito para el grupo. “Es hermoso y emocionante formar parte y también da una sensación de vértigo”, dice Thomas, consciente de la cantidad de grupos que buscan un lugar en la sala.

    ​”Silencio” promete ser una experiencia que va más allá de la palabra. “Es una obra que me da la sensación que te va a dejar con ganas”, cierra Mariano y Thomas invita a compartirla ya que es una pieza con un “lenguaje universal”.

  • “OJO CAYÓ EN LA TELARAÑA”: UNA OBRA QUE JUEGA CON RECURSOS DE CINE CLASE B

    “OJO CAYÓ EN LA TELARAÑA”: UNA OBRA QUE JUEGA CON RECURSOS DE CINE CLASE B

    La nueva pieza del dramaturgo marplatense Alejandro Frenkel, “Ojo cayó en la telaraña“, llega al Festival de Estrenos de El Galpón de las Artes, después de un largo proceso de gestación. Agustin Elordi, su director compartió detalles de cómo fue enfrentarse al desafío de poner en escena un texto que no solo se inspira en el cine, sino que lo lleva a escena de una manera singular.

    La pieza teatral es interpretada por Vanina Alonso, Gabriela Benedetti, Roberto de Large y Marcelo Scalona. En tanto que el diseño de iluminación lo realizó Luciano E. Paciotti.

    El director de la puesta en escena, quien fue testigo del nacimiento del texto en un taller de dramaturgia, se sintió inmediatamente atraído por la escritura de Frenkel: “Tiene un estilo muy particular, con una influencia muy fuerte de cine, escribe una dramaturgia con primeros planos”, señala.

    “Ojo cayó en la telaraña” se estreno  en noviembre de 2025 en El Galpón de las Artes (Jujuy 2755). Cabe recordar que la sala trabaja Sin Barreras de Boletería por Cooperación Solidaria, aunque para una mejor organización se aconseja reservar localidades a través del siguiente enlace y ver próximas fechas:

    La obra se presenta como un desafío estético y de montaje que invita al público a vivir su propia experiencia. “Es una obra más cerca del realismo de lo que parece, no es absurdo porque no cumple con los cánones, tampoco es una comedia por más que tenga algunas situaciones cómicas. Creo que es una suerte de realismo fantástico muy influenciado por la industria cinematográfica”, percibe su director. 

    UNA OBRA DE TEATRO CON CRUCES DE LENGUAJES

    ¿Cómo se gestó este proyecto?

    La obra la escribió Alejandro Frenkel que es un dramaturgo marplatense, fui un poco testigo del proceso porque estábamos compartiendo un taller de dramaturgia. Vi nacer a la obra y la fui siguiendo, siempre me llamó mucho la atención y me gusta mucho lo que él escribe porque tiene un estilo muy particular de escritura totalmente opuesto a mí que soy mucho más concreto y siempre me interesó cómo se hacía para llevar a escena una obra con esas características tan particulares.

    “El hecho de ir acotando para llevar a los actores en un camino creo que fue el desafío más grande, lo que más tiempo nos llevó”

    ¿Qué referencias tuvieron presentes a la hora del montaje?

    Hay un cruce de lenguajes, porque la obra está inspirada en el universo cinematográfico, está claro que hay referencias a cineastas como David Lynch, (Michel) Gondry, (Jean-Luc) Godard está muy presente desde lo textual, su presencia es un personaje. Dentro de eso que se propuso desde la dramaturgia yo decidí agregar algo más a la mezcla. A mí siempre me llamó mucho la atención el cine clase B de los ‘70, el cine de explotación, muy bizarro que se hacía con dos pesos.

    ¿Y qué fue lo que te motivó a dirigir un texto con estas complejidades?

    Me gustó jugar un poco con eso, meter dentro de esta historia tan cinematográfica que al mismo tiempo es muy absurda, ciertas cosas ilógicas, donde se juega algo del subconsciente. Meter todo eso en escena y tratar de que sea funcional fue lo que me impulsó a trabajar.

    ¿Cuál fue el principal desafío?

    La primera reacción de quienes leyeron la obra fue que era “un delirio”, después que pasaba ese filtro empezaban a aparecer puntos de vistas muy distintos sobre la obra. Teníamos dos opciones, montarnos en ese delirio sin saber para dónde iba ni que se iba a llevar el espectador, si íbamos a dejarlo super abierto a múltiples posibilidades que ofrece o si por ahí íbamos a encarrilarlo dentro de una lógica válida para el texto y trabajarla desde ahí. Es normal que intuitivamente el actor vaya hacia ciertos estilos, y siempre está esa primera impresión de la obra que nos llevó mucho trabajo, pero para mi gusto rindió. Logramos que cuando la gente vea la obra no se quede con que es un delirio, hay objetos dramáticos, situaciones que pueden ser poco lógicas.

     “Ojo cayó en la telaraña” está salpicada de pequeños temas universales: los proyectos personales, el destino, las pasiones y los límites.

    ¿A qué remite el nombre de la obra?

    La historia está un poco solapada el nombre es un pequeño chiste ‘Ojo cayó en la telaraña’ como que fue trampeado, entonces muestra una historia que no se entiende para dónde va, que parece ser rara, loca y en definitiva la historia está presente todo el tiempo. Al mismo tiempo me pareció interesante todo el proceso, el durante, qué sucede durante eso que pasa pero no pasa, en donde hay confusiones, me pareció interesante mostrar eso y ver de qué manera podía lograr que acontezca eso de caer en la telaraña.

    ¿Cómo fue la elección de la sala?

    La sala nos eligió a nosotros porque un día entré a la sala y vi la primera mitad de la platea con esos butacones de cine que están buenísimos y una obra que tiene tanta conexión con lo cinematográfico, es más el espacio escénico es un set de filmación con su escenografía, cuando vi la platea sentí que tenía que ser acá, que éste era el espacio ideal.

    ¿Qué representa la obra?

    La obra se presenta como un juego propuesto por el dramaturgo. No hay un sentido único, sino a caer en la trampa sutil de la trama. La telaraña tiene que ver con el sentido, cuando uno empieza a buscar el sentido en una obra y ve que hay objetos que son disruptivos entra en duda con la concepción de lo que está pasando. “Ojo cayó en la telaraña” está salpicada de pequeños temas universales: los proyectos personales, el destino, las pasiones y los límites. Una estructura de sucesos lineal que, a pesar de las distorsiones, invita a la reflexión profunda.

    El estreno, pospuesto por cuestiones de destino y logística, terminó coincidiendo con el 30 aniversario de El Galpón de las Artes y la renovación de su platea, un “momento específico importante” que enmarca un momento importante para el grupo y la sala. “Los invito a caer en la telaraña porque es hermoso participar y ser testigo de eso que no sabemos si está pasando o no para llegar a un final.”, convoca Agustín Elordi.

  • “SOLOS” ¿UN ‘PECADO’ O UN LIENZO EN BLANCO?: LA OBRA QUE INVITA A REDESCUBRIR LA SOLEDAD

    “SOLOS” ¿UN ‘PECADO’ O UN LIENZO EN BLANCO?: LA OBRA QUE INVITA A REDESCUBRIR LA SOLEDAD

    “Solos es una palabra capicúa que se escribe igual del derecho y del revés”, destaca Emiliano Fernández. Este juego con la palabra refuerza la idea central de la pieza que sale a escena en El Galpón de las Artes: que “la soledad es un estado inevitable” que, lejos de ser sombrío, puede ser una “posibilidad de encontrarse con otro u otra”, como subraya María Campora.

    Sus autores e intérpretes desmitifican la connotación negativa que le atribuye la sociedad: “Estar solo es casi un pecado desde una visión católica. Nosotros creemos que eso depende de cada persona”, afirma María Campora.

    “SOLOS, un lienzo en blanco” agotó las reservas para la función de este viernes, pero aún quedan localidades el domingo 16 de noviembre a las 20 en El Galpón de las Artes (Jujuy 2755). Cabe recordar que la sala trabaja Sin Barreras de Boletería por Cooperación Solidaria, sin embargo por un tema de organización se aconseja reservar localidades a través del siguiente enlace: https://galponartes.com/espectaculo/solos-un-lienzo-en-blanco/. Luego habrá que esperar para apreciarla en plena temporada teatral.

    Creemos que la soledad es una posibilidad de encontrarse con otro u otra y eso es lo que queremos plasmar

    La chispa inicial que derivó en la obra comenzó a gestarse durante la pandemia y se terminó de escribir en 2024.

    El proceso de montaje fue un desafío en sí mismo, dirigido por Sebastián Villar de manera virtual desde Brasil, gracias a las herramientas tecnológicas: “Hay cosas que realmente me pierdo estando tan lejos como la mirada del actor, lo que le está pasando, digamos yo los percibo pero hay algo del vivo que no se produce entonces tiene sus limitaciones y pudimos lidiar con eso”. En este punto, reafirma que fue clave confiar en la mirada de la asistente de dirección, Carmen Domínguez, quien debutó en ese rol y lo califica como un “doble desafío”, una “posibilidad de aprendizaje y crecimiento”.

    El iluminador Gustavo Martincic, también integrante de la cooperativa, es una pieza clave: se encarga de “pintar la escena” con su diseño, dando vida al concepto del lienzo en blanco.

    Al ser un grupo de teatro cooperativo, coincidieron en que los valores de El Galpón de las Artes reunía las características que necesitaba el proyecto. “Sabemos cómo se ha gestado la sala, cómo se sostiene, las obras que se están realizando en el marco de los 30 años que tiene su lógica. Tiene una unión maravillosa, como los mismos artistas, que nos reunimos desde Brasil a Mar del Plata para contar una historia”, analizan.

    UNA OBRA QUE SE CONSTRUYE CON LA MIRADA CÓMPLICE DEL ESPECTADOR-

    ¿Cómo nació la obra?-

    Emiliano: “SOLOS. Un lienzo en blanco” comenzó en tiempo de pandemia, la idea justamente habla de la soledad que nos propició ese momento, después surgieron otros espectáculos en el medio y finalmente en el 2023 empezamos a juntarnos con María, teníamos una pequeña selección de textos dando vueltas queríamos hacer algo y no sabíamos bien qué, y esos textos empezaron a tener algo en común sobre este estado, este sentimiento, esta emoción que es la soledad. De a poquito empezamos a darle forma de obra que terminó de escribirse a finales del 2024.

    María: arrancamos más o menos entre marzo – abril del 2024 con el formato que vamos a hacer y como toda pieza teatral, y más al ser sus dramaturgos se va modificando, te da ese permiso. La reescribimos hasta la semana pasada

    ¿Hay alguna referencia a algún artista en particular?

    Emiliano: Cuando escribimos analizamos pinturas de Edward Hooper para la construcción. Lo interesante es que nosotros somos los protagonistas, los colores aparecen. La idea es trascender ese lienzo, que a su vez habla de la posibilidad de vacío de la soledad que puede ser llenado con las posibilidades que desees, los colores que quieras, de la manera que quieras.

    ¿Por qué eligieron a Sebastián Villar, quien actualmente reside en Brasil, para que dirija “SOLOS…”?

    María: Podríamos haber elegido otros directores en la ciudad pero particularmente trabajé muchos años con Seba, nos conocimos a través del teatro y nos hicimos casi hermanos. Como conozco cómo es su trabajo como director le propuse a Emi y enseguida le copó la idea. Conocemos cómo es su mirada y su forma de trabajar y su minuciosidad que creo que ameritaba.

    La obra tiene algo interesante que tiene que ver con todas las dramaturgias que trabajamos: pasamos de la comedia, al realismo clásico, clown, comedia dramática, melodrama

    Emiliano: Cuando ya teníamos el proyecto más o menos cerradito. Empezamos en principio a terminar de pulirla y había que ponerla a andar. Y a pesar de que la obra habla de soledad y que pensamos que solos íbamos a poder, definitivamente no pudimos. La construcción teatral siempre es colectiva y apareció Seba con el condimento de que está viviendo en Brasil. Pero algo que dejó la pandemia, un poco residual y positivo es brindarnos herramientas tecnológicas que nos permitieron abordar este proceso del montaje de la obra a partir de Zoom, Whatsapp, Meet. Seba, planteó la necesidad de tener una asistente en el país y apareció la posibilidad de que sea Carmen Domínguez.

    ¿Cómo recibiste esa invitación?

    Carmen: Me parece que siempre es una posibilidad de aprendizaje, de crecimiento y tenía ganas de hacer una asistencia. Nunca dirigí, siempre actué y era todo un desafío el rol con un director que está de manera virtual. Es un doble desafío, pero estoy muy contenta con el proyecto en sí por cómo se va construyendo, con la posibilidad de poner a disposición lo aprendido siempre pensando en sumar. Así todo va teniendo su propia magia.

    ¿Cómo llegan al Festival de Estrenos?

    Emiliano: Estamos nerviosos. Estas butacas lindas nos ponen mucha presión. Llegamos con mucha expectativa, con los nervios lógicos me parece. Hace muchos años que estoy en la dirección, estoy oxidado como actor, no sé qué va a pasar pero siempre con una emoción linda. Es un trabajo de parto.-

    María: Hace muchísimos años que estreno y siempre te pones nervioso, siento que el día que no me ponga nerviosa será la señal de que no me interesa y no haga más teatro. Celebro esos nervios, hay que transitarlos; no es agradable, a pesar del año y medio que estamos trabajando empezás a ponerle más valor a lo que van a ver que a todo lo que hicimos. La obra la hicimos con mucho amor, con mucho compromiso, con mucho laburo.

    “SOLOS, un lienzo en blanco” inaugura el Festival de Estrenos 2025 y sus protagonistas invitan a ver las distintas caras de la soledad, prometiendo una profunda experiencia de conexión. “Venir al teatro es una experiencia religiosa. Lo que ves, la música, las luces y te sentás a experimentar algo que te van a contar que es tan personal. Es una experiencia imperdible”, describe María Campora. Para cerrar, Emiliano Fernández asegura que la pieza ofrece una nueva perspectiva, invitando al público a la reflexión y al cambio: “El teatro nos invita a reflexionar sobre cosas que creemos que sabemos… te vamos a invitar a mirar por una mirilla diferente y tal vez te vayas transformado. Vénganse a ver un espectáculo que te va a transformar.”

  • Una jornada con sensibilidad militante a cargo de Nacho Levy en El Galpón de las Artes

    Una jornada con sensibilidad militante a cargo de Nacho Levy en El Galpón de las Artes

    En medio de un contexto político y social complejo, El Galpón de las Artes recibe a Nacho Levy, referente de La Garganta Poderosa para compartir una charla abierta a la comunidad para compartir y trazar nexos entre organizaciones y espacios políticos. La jornada organizada por La Poderosa junto al Centro Cultural Ramona Medina tendrá lugar este domingo a las 17 en la sala ubicada en Jujuy 2755. 

    Nacho Levy arriba este fin de semana a Mar del Plata como parte de las actividades del Centro Cultural Ramona Medina, con eje en Las Dalias, donde funciona la asamblea local de La Poderosa. Durante su visita recorrerá el barrio para reconocer las diferentes problemáticas que se acentuaron en el último tiempo y luego compartirá una jornada recreativa junto a pibes y pibas que participan del espacio. 

    Por su parte, el domingo a las 17 brindará una charla abierta a la comunidad en El Galpón de las Artes, Jujuy 2755. La misma está destinada a aquellas personas que tengan “sensibilidad militante” y quieran acercarse a la experiencia de La Poderosa, colaborar en las asambleas o generar nexos entre organizaciones y espacios políticos. 

    En concreto, los ejes que se abordaran durante las dos jornadas serán: el estado del barrio Las Dalias y la asamblea de la Poderosa, el abandono del Proyecto de Obras Tempranas (POT), jubilados empobrecidos, la ley de Cocineras Comunitarias, la falta de calles, de CAPS 24 hs y de espacios de recreación como el abandono del Polideportivo, privatización del Parque Camet y de las playas cercanas.

    ¿Qué es La Poderosa?

    Se trata de un movimiento villero, feminista, barrial y latinoamericano que desde hace más de 20 años impulsa asambleas en distintos territorios. Luchan por la dignidad en los barrios populares, visibilizando las problemáticas cotidianas y construyendo organización comunitaria desde abajo. El objetivo es transformar la cruda realidad y fortalecer el trabajo en comunidad a partir de la educación popular, el cooperativismo y el deporte.

    Ignacio, popularmente conocido como Nacho Levy, es militante, docente, fundador de La Garganta Poderosa, la revista que comenzó con publicaciones en el 2010. Se gestó como una forma de contrarrestar la estigmatización social que los medios masivos de comunicación fomentaban sobre los barrios populares como contrarespuesta, la revista busca mostrar la realidad escrita y fotografiada por los propios villeros.

    Como sello distintivo en todas sus ediciones entrevistan de manera singular a figuras de interes público, así pasó Diego Maradona, Lionel Messi, Evo Morales, Pepe Mujica, Lali, el Indio Solari, Charly Garcia, Juan Román Riquelme, Luciana Aymar, Estela de Carlotto, Nora cortiñas, Ricardo Mollo, Silvio Rodrigues, Diego Capusotto, Quino y Gustavo Nápoli (Chizzo), entre otros. 

    Con el afán de tender puentes, el comunicador popular no deja de recorrer los barrios para compartir charlas y encuentros para poner en discusión las problemáticas que atraviesan diferentes comunidades y ante el avasallamiento de derechos que propone el gobierno de Javier Milei sale a la calle para que el Estado esté presente en la vida diaria.

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    Melani Luraschi cantante y compositora de Maldonado, Uruguay arriba a El Galpón de las Artes para presentar su más reciente proyecto “Je suis Nenette”. La obra musical que presenta este viernes revisita y repiensa la figura de la artista francesa, la cual compuso durante la residencia artística en la Casa Museo Atahualpa Yupanqui. “Que el espectáculo sirva de inspiración para trazar puentes entre el pasado, el presente y el futuro”, invita. 

    Con “Je suis Nenette”, la artista uruguaya quiso abordar las distintas aristas de la compositora francesa que fue un pilar fundamental en Atahualpa Yupanqui. “Siento que, al ver el documental, surgen preguntas que luego se van respondiendo poco a poco a través de las canciones y de la reflexión”, reafirma previo al concierto en Mar del Plata y agrega: “Este proyecto no busca dar respuestas definitivas, sino abrir interrogantes y seguir pensando en las mujeres invisibilizadas, en las formas posibles de darles voz y visibilidad”.

    Guitarra, charango, cuatro venezolano o piano son sus fieles instrumentos para transmitir su música: íntima, sensible y profunda. En esta oportunidad, de gira con “Je suis nenette”, Cruza Fronteras y arriba a El Galpón de las Artes para compartir su reinterpretación de la obra que plasmó la compositora y pianista francesa Antonietta Paule Pepin Fitzpatrick, conocida artísticamente como Nenette, junto a Atahualpa Yupanqui, con quien coescribió canciones emblemáticas como “Luna tucumana” y “El arriero”, firmadas bajo el seudónimo Pablo del Cerro.

    Durante una investigación que realizó en 2024 en Cerro Colorado, Córdoba en la Casa Museo Atahualpa Yupanqui, Melani produjo un álbum de ocho canciones y un documental que se podrán disfrutar en una única función este viernes 22 de agosto a las 20:30. “El lugar fue muy importante: no es lo mismo investigar y componer en cualquier sitio que hacerlo en la casa donde esa persona vivió, donde están sus objetos y su energía”, sostiene.

    Se trata de un espectáculo íntimo que combinará un concierto musical, la proyección del documental de 15 minutos de duración y un conversatorio sobre la creación artística, perspectiva de género coordinado por la periodista Paola Galano. Las reservas están disponibles a través del siguiente enlace: https://galponartes.com/espectaculo/je-suis-nenette/

    ¿QUIÉN ES MELANI LURASCHI?

    La cantautora uruguaya subió al escenario por primera vez a los cinco años. A partir de ese momento comenzó a estudiar artes escénicas hasta que “un día la música llegó a mi vida y se instaló para siempre”. En su recorrido artístico se abocó a la docencia profundizando sus clases para infancias ya que su pasión radica en enseñar el “potencial transformador social”.

    Ha compartido escenario con artistas como Larbanois, Julieta Rada, Fernando Cabrera, Gabriela Gadú, Lisandro Aristimuño y Cyrille Aimee, entre otros. Así recorrió diferentes escenarios en Madrid, Barcelona, Paris, Lima, Santiago de Chile, Buenos Aires, Porto Alegre y Sao Paulo.

    ¿Cómo fue el proceso de investigación y documentación sobre Nenette y su relación con Atahualpa Yupanqui?

    Comenzó en París, cuando encontré el libro Cartas a Nenette. Empecé por leerlo y también realicé entrevistas, entre ellas a Pat Acris, un “yupanquiano” francés que vive allí. Poco a poco fui armando un mapa de información y tratando de imaginar quién había sido Nenette para mí.

    “Me enviaron muchas fotografías y, ya en el Cerro Colorado, pude ver de cerca sus prendas, sus lentes y otros objetos. Fue como un ejercicio teatral de construcción de personaje”.

    ¿Qué descubrimientos o hallazgos interesantes encontraste durante la investigación y cómo los incorporaste en el proyecto?

    Uno de los hallazgos más significativos fue algo que me dijo su nieta: “Sin Nenette, Yupanqui nunca hubiera llegado a ser tan reconocido”. Esa frase me reveló otra faceta de su aporte: no solo fue pianista y arregladora, sino también una gestora de la carrera de Atahualpa. Organizó giras, gestionó contactos y cuidó detalles de su proyección artística. Hoy podríamos llamarla “manager” o “productora”, pero en su época ese rol quedaba invisibilizado, sobre todo si lo ejercía una mujer.

    También me marcó algo que dijo el Koya, su hijo: “Nenette dio lo mejor de sí en una tierra que no era la de ella”. Esa dimensión habla de lo que significa migrar, establecerse en un país nuevo, adoptar costumbres ajenas y, al mismo tiempo, aportar lo propio. Como migrante, me reconozco en eso.

    ¿Cómo surgió la idea de crear “Je suis Nenette” en la casa Museo de Atahualpa Yupanqui?

    Fui convocada por Agustín Arosteguy y Daniela Massone, docentes del seminario Geografía y musicalidades de América Latina, con la propuesta de realizar una residencia de investigación sobre Nenette. Llegaron a mí por recomendación, y desde ese primer contacto comenzamos a dar forma a un proyecto cuyo objetivo era revisitar y repensar su figura en el marco de una residencia artística en la Casa Museo Atahualpa Yupanqui.Desde mi lado propuse crear un álbum nuevo allí mismo, inspirado por la información y las historias que me compartían sobre ella.

    “Contar con la presencia del Koya, hijo de Atahualpa, y con todo el entorno humano y natural del Cerro Colorado, fue fundamental para que este álbum pudiera nacer”.

    ¿Qué significado tiene para ti la conexión entre Nenette y Atahualpa Yupanqui, y cómo se refleja en tu proyecto?

    Me resuenan varios aspectos. Por un lado, la migración y las nacionalidades cruzadas: Nenette nació en Francia y se instaló en Argentina siendo muy joven; Atahualpa nació en Argentina y vivió gran parte de su vida en París. Por otro, las giras constantes de Atahualpa, que me recuerdan a mi propio recorrido viajando por diferentes países.

    “También me marcó su relación epistolar: leí las cartas que él le enviaba desde París mientras yo misma estaba en esa ciudad, y luego viajé al Cerro Colorado para vivir de otra manera todo aquello. Hay un juego de espejos entre sus experiencias y las mías que se fueron filtrando en el proyecto, tanto en lo musical como en lo narrativo”.

    ¿Cómo fue la experiencia de grabar un documental en la casa Museo y qué desafíos enfrentaste?

    El documental nació de forma intuitiva. No tenía un plan concreto: simplemente quería registrar todo lo que pasaba, y para eso utilicé mi celular. Siempre me gustó filmar y trabajar de manera espontánea. Cuando regresé a París después del viaje, comprendí que ese material podía transformarse en una obra en sí misma. En ese momento atravesaba una etapa difícil, y el proceso de montaje me ayudó a unir los hilos de esta historia.

     ¿Cómo se relaciona el documental con el espectáculo “Je suis Nenette” y qué puedes decir sobre la experiencia de proyectarlo junto al show?

    El documental funciona como una puerta de entrada al espectáculo. Cuando lo proyecto antes del show, el público ya llega a las canciones con una conexión emocional y visual mucho más profunda. Ven el lugar, conocen a las personas, escuchan fragmentos de las cartas y sienten el entorno que inspiró la música. Esa experiencia transforma la escucha: no es lo mismo oír una canción sin contexto que hacerlo después de recorrer, aunque sea en imágenes, el universo donde nació.

    “Que el público viva una experiencia inmersiva: que pueda conocer a esta Nenette que se ha creado, acercarse a su mundo y, al mismo tiempo, reflexionar sobre cuántas mujeres artistas han quedado invisibilizadas en la historia”.

    ¿Qué esperas que el público se lleve de la experiencia de ver “Je suis Nenette” en Mar del Plata?

    Espero que se lleven preguntas y curiosidad. Que quieran saber más sobre Nenette, que busquen sus composiciones, que piensen en las artistas de su propio entorno que tal vez no han tenido suficiente visibilidad. Y, sobre todo, que sientan que la música puede ser un puente entre épocas, lugares y personas. Que sirva de inspiración para trazar puentes entre el pasado el presente y el futuro

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    El Galpón de las Artes comienza a palpitar lo que será el 11° Festival Internacional de Cine de Comedia “Funcinema”. Durante la función de este viernes 15 de agosto 2025 a las 20:30, el público podrá disfrutar de una selección con los mejores cortos que participaron el año pasado y compartir las novedades que se podrán disfrutar en septiembre en diferentes salas de Mar del Plata.

    Hace una década que el Funcinema gestiona un festival donde realizadores del género comedia encuentran un espacio de difusión y a su vez participan de una competencia de nivel internacional organizada por la página www.funcinema.com.ar

    En esta oportunidad y como un “anticipo” de lo que se podrá disfrutar en septiembre, Mex Faliero – uno de los organizadores- compartió con El Galpón de las Artes cómo fueron los orígenes de un evento que, a pesar del paso del tiempo y las diferentes crisis, “goza de buena salud”.

    El Galpón es un espacio que se ha erigido como un ejemplo de autogestión fundamental de la ciudad, que ha apostado siempre en grande y que ha potenciado su espacio notablemente. Es una referencia y en los últimos años incorporó lo audiovisual con muy buena calidad de proyección. Y tiene una comunidad muy atenta a todo lo que pasa ahí dentro. Es para nosotros también ganar otros espacios y llegar a otros públicos que tal vez todavía no conozcan el Festival. Así que creemos que es una sociedad más que interesante.

    Previo a la función en El Galpón de las Artes, el crítico de cine señaló que la decisión de integrar la sala al festival es por ser “un ejemplo de autogestión en la ciudad”. “Esta sociedad es muy interesante para nosotros, ya que nos permite llegar a nuevos públicos y espacios.Esperamos, y para cerrar con guiño cinéfilo, que sea el comienzo de una bonita amistad”, finalizó. 

    -¿Cómo nació el Festival Funcinema?

    – Nació allá por 2010 con la idea de salir de la virtualidad de Internet y nuestra página de crítica y noticias de cine, y someter nuestro criterio al gusto de los demás. Venimos de la crítica y obviamente es sencillo decir qué nos parece lo que hacen los demás, así que nos pareció interesante que los demás puedan opinar sobre nuestro criterio para seleccionar películas. Elegimos la comedia porque nos gusta el género, pero sobre todo porque es un género que no tiene mucho espacio en festivales de cine, ni es muy celebrado en campos académicos, y ni siquiera hay demasiados festivales dedicados a la comedia. Además Mar del Plata por esa época tenía más propuestas festivaleras y teníamos que ofrecer algo distinto. Igualmente nos llevó un tiempo cerrar la idea: arrancamos recién en 2014.

    -¿Qué termómetro les marcó la décima edición?

    – Que el Festival goza de muy buena salud, que gusta, que más público se acerca cada año, que hay cada vez más interés de distribuidoras y realizadores de presentar sus películas en Funcinema. En la previa sentimos ese apoyo, y una vez que la décima edición se puso en marcha nos sorprendimos porque notamos un caudal de público más grande en horarios y funciones que antes iba menos gente. Nos motiva a seguir haciéndolo. 

    -¿Cuáles fueron las premisas para llevar adelante esta edición?

    Hemos sido autogestivos siempre. Y hemos tenido una política de dar pasos pequeños cada año, sin volvernos locos, siempre siendo conscientes de nuestras limitaciones. En ese sentido sentimos que no hemos tenido que relegar nada. Ni en esta edición ni en anteriores. Siempre hemos hecho el festival que quisimos, el que imaginamos, que es el que podemos hacer en el contexto que sea.

    “Tenemos instituciones de enseñanza audiovisual en la ciudad, sin dudas falta en primera medida un circuito de exhibición más oficial, y un Estado que apoye con subsidios o concursos que tengan premios para la realización de cortos o largos”

    -Con la situación social que se vive ¿Sienten que el público tiene la necesidad de divertirse?

    – Creo que desde que comenzamos con el festival siempre nos han hecho esta pregunta, por lo que pareciera que nunca estamos bien y la gente precisa una escapatoria. Pero como a nosotros nos gusta la comedia, somos de los que creemos que siempre hay motivos y necesidades para reír. Y si no las hubiera, reír es un ejercicio magnífico, muscular e intelectual. De hecho no entendemos por qué la gente cree que deba haber motivos para reír. ¡Diviértanse que la vida es corta!

    -¿Cuentan con algún apoyo para llevar adelante el evento?

    – En un par de ediciones contamos con subsidio de INCAA y el año pasado contamos con un auspicio de la Provincia, pero mayormente lo organizamos con aportes propios. De hecho ni pensamos en los aportes oficiales (que si aparecen, bienvenidos, pero siempre generan demasiado suspenso sobre su posibilidad) porque queremos estar seguros de hacer el festival y creemos que tenemos que hacerlo con los aportes que podamos generar. Obviamente que Provincia nos dé dos salas sin cobrarnos nada es un aporte invalorable que no podemos dejar de mencionar. Como también el apoyo de empresarios gastronómicos y hoteleros que nos permiten tener comodidades para jurados y algunos invitados que vienen.

    -El Galpón es la primera sala que eligen por fuera de los escenarios estatales ¿A qué se debe esa decisión?

    El Galpón es un espacio que se ha erigido como un ejemplo de autogestión fundamental de la ciudad, que ha apostado siempre en grande y que ha potenciado su espacio notablemente. Es una referencia y en los últimos años incorporó lo audiovisual con muy buena calidad de proyección. Y tiene una comunidad muy atenta a todo lo que pasa ahí dentro. Es para nosotros también ganar otros espacios y llegar a otros públicos que tal vez todavía no conozcan el Festival. Así que creemos que es una sociedad más que interesante. Esperamos, y para cerrar con guiño cinéfilo, que sea el comienzo de una bonita amistad.

     PREFUNCINEMA: LOS MEJORES CORTOS DEL 10° FUNCINEMA

    Esta selección de cortometrajes participaron de la Competencia Internacional del FUNCINEMA 2024 y recibieron las mejores calificaciones en el Voto del Público.

    • Angel y Perla (Argentina) de Jenni Merla
    •  Denise Anzarut, Boussa (Argelia-Francia) de Azedine Kasri
    • Cantata (Irlanda) de Dave Fox
    •  Chauncey (Estados Unidos) de Reilly Anspaugh y Daniel Rashid
    •  Hamelin, el flautista (Argentina) de Julián Marcipar
    •  Les effaceurs (Francia) de Frédérick Vin
    •  Periquitos (España) de Alex Rey.

  • Las marionetas de hilo regresan a El Galpón de las Artes para celebrar el Día de las infancias

    Las marionetas de hilo regresan a El Galpón de las Artes para celebrar el Día de las infancias

    A pesar de la innovación tecnológica, las marionetas de hilo aún despiertan la curiosidad de quien se detenga a apreciarlas. En el Mes de las Infancias, El Galpón de las Artes vuelve a recibir a Sol Lavítola con “El show de Simon”, un espectáculo íntimo, sensible que despierta el imaginario. Recién llegada de su gira europea la artista compartió detalles sobre un “lenguaje universal que trasciende el idioma” y las generaciones. 

    Agosto es un mes particular para las infancias, están quienes celebran el tercer domingo del mes como impuso la Cámara Argentina de la Industria del Juguete, y quienes sin fijar una fecha precisa lo conmemoran con actividades especiales pensadas para niños y niñas. Así, el teatro se vuelve una alternativa necesaria para alejarse un rato de la estimulación de las pantallas, desarrollar la empatía y la paciencia. Es por eso que El Galpón de las Artes invita a compartir “El show de Simón”,este domingo 10 de agosto a las 17. Las reservas están disponibles a través del siguiente enlace: https://galponartes.com/espectaculo/el-show-de-simon/.

    “Lo que hace especial a El Show de Simón para mí, es ese recorrido que trae desde sus inicios en la calle, en contacto directo con la gente, y el vínculo que genera con las infancias, donde en muchos momentos se vuelven parte activa de la obra”, reconoce Sol Lavítola a horas de haber desembarcado en Mar del Plata. La artista Cruzó fronteras y volvió para compartirlo con espectadores de distintas edades. 

    Discípula de Pepe García, trece años atrás Sol Lavítola comenzaba a demostrar su destreza con la marioneta Simón y en el 2013 logró aventurarse y realizar su primera gira por Europa. Su fiel compañero de hilo la acompañó en diferentes travesías, temporadas en pleno centro y en los barrios de Mar del Plata donde confiesa que “no llegan ni los políticos, ni el Estado”. En tiempos cruentos para artistas independientes, salir a descubrir otras culturas puede ser inspirador pero también necesario para resistir hasta que llegue la primavera. 

    Por este motivo, El Galpón de las Artes invita a compartir una función única e intransferible, escenario al cual Sol Lavítola siente que es “como actuar en casa”. “Es un lugar que conozco y que me conoce mucho, un teatro donde se respira arte y comunidad. Las personas que lo llevan adelante lo hacen con un gran sentido colectivo y comunitario. Me hace muy feliz poder compartir El Show de Simón en ese espacio tan querido”, invita y anticipa que va a hacer un regalo artesanal para “cada niño y niña que asista a la función… una sorpresa”.

    • ¿Qué te inspiró a llevar El Show de Simón a Europa?
    • Una de mis principales motivaciones es conocer otras culturas y compartir mi trabajo con públicos diversos. El Show de Simón tiene un lenguaje universal que trasciende el idioma, lo que me permite presentarlo en países no hispanohablantes y descubrir cómo reacciona la gente en distintos contextos culturales. Al mismo tiempo, no puedo negar que mantenerme activa con mi trabajo también es una necesidad personal y profesional. 

    El sector cultural independiente atraviesa muchas dificultades, y sostener una carrera artística solo dentro de nuestro país es cada vez más complejo. Salir de gira ya sea por Europa o por otros continentes representa una oportunidad para seguir creciendo y mantener vivo mi oficio.

    • ¿Cuáles fueron los lugares más destacados que visitaste durante la gira?

    Dos lugares que me marcaron especialmente fueron Satu Mare, en Rumanía —un país que no conocía y que me sorprendió por su belleza — y Granada, en España, donde tuve el honor de presentarme en la Casa Museo de Federico García Lorca. Actuar en un espacio con tanta historia y carga simbólica fue profundamente significativo para mí. Otro lugar muy especial fue una pequeña comuna en Alba, un pueblo rodeado de colinas en Piamonte, Italia, donde viven pocos habitantes. Ahí el encuentro con la comunidad fue íntimo y muy cálido.

    • Y en general ¿cómo fue la recepción del público?
    • Muy buena. En la mayoría de los lugares donde me presenté, el público está acostumbrado a ver espectáculos y muestra un gran respeto por lo que sucede en escena. Sentí una apertura y una atención muy genuina, incluso cuando el idioma no era el mismo.
    • ¿Hubo algún momento o función que te haya marcado especialmente durante la gira?
    • Sí, uno que me conmovió especialmente ocurrió durante una función al aire libre en Alemania. En medio del espectáculo comenzó a llover, y aun así, el público se quedó hasta el final. Creo que hay algo cultural en eso: viven en regiones muy lluviosas y están acostumbrados, incluso preparados, para estar bajo el agua. Los inviernos son largos, y la gente espera con mucha ansiedad los eventos al aire libre. Pero de todos modos, fue conmovedor sentir que, a pesar de la lluvia, el público elegía quedarse y acompañar a las marionetas hasta el final.
    • ¿Cómo se creó El Show de Simón y qué lo hace tan especial?
    • Es una larga historia. Simón nació hace trece años y fue la primera marioneta que me llevó a girar fuera de Argentina. Con él viajé por primera vez a Europa en 2013, y desde entonces ha sido un compañero en muchísimos escenarios, sobre todo en las calles, tanto de distintos países del mundo como de mi ciudad, Mar del Plata, donde trabajé durante muchos veranos, solo con él, en una esquina del centro de la ciudad. 

    También formó parte del elenco de un espectáculo llamado “Sueños de arrabal”, que presentamos junto a Lucila Manso —con quien conformo la compañía Ánima—. Una obra pensada principalmente para jóvenes y adultos, con una historia interpretada por seis marionetas en escena.

    • ¿Cuál es el proceso de creación de las marionetas y los personajes del espectáculo?
    • Este espectáculo fue mutando y creciendo con los años, a partir de las miradas y consejos de colegas y amigos y, sobre todo, sobre todo a partir de la respuesta del público en cada rincón donde se presentó.

    Durante la evolución de la obra, los que en un principio imaginé como personajes secundarias —una rata y un oso— comenzaron a tomar un protagonismo cada vez mayor, incluso más que el propio Simón. Este giro inesperado me llevó a preguntarme qué era realmente lo importante en esta propuesta: ¿el personaje principal, la historia o las hazañas que pudieran realizar las marionetas?

    Pienso que cada marioneta, con su propia personalidad y sus limitaciones, refleja aspectos y contradicciones propias del ser humano. Es desde esa potencia que intento fortalecer el vínculo que establecen, tanto conmigo como animadora, como con el público.

    • ¿Cómo logras mantener la magia y la ilusión en cada función?
    • Lo intento, aunque no siempre lo consigo. Cada función es única, y para que realmente ocurra algo mágico deben alinearse varios factores: el contexto, la atención y la energía del público, y, sobre todo, mi propia conexión con el juego y con los personajes. Si alguno de esos elementos falla, es muy posible que la magia no se manifieste de la misma forma. 

    Lo más desafiante es que con cada función aprendo a estar más presente, a sostener esa conexión con los personajes y con la vida que se despierta en escena. Creo que ahí está la clave: en seguir buscando ese momento vivo y verdadero, incluso cuando no es perfecto.

    • ¿Qué mensaje o emoción buscas transmitir a través de El Show de Simón?
    • No quiero transmitir un mensaje puntual, quiero que el público salga con una sonrisa y que se olviden de los problemas por un rato. Que los niños sientan conexión con los personajes y que los adultos se permitan volver a mirar el mundo con ojos de niño. 
    • ¿Qué esperas que el público se lleve de la experiencia?
    • Ojalá se lleven alegría y un poco de ternura que hace tanta falta en estos tiempos. 
    • ¿Cómo te involucraste en el mundo de las marionetas y qué te apasiona de este arte?
    • Mi primer maestro en el mundo de los títeres fue Pepe García. Con él comencé a actuar a los 19 años y me presenté en varias oportunidades junto a su compañía, Los Cuatro Gatos. Pepe fue quien me alentó a convertir este oficio en una profesión, que con el tiempo también se transformó en una pasión. Luego llegaron las marionetas y quedé un poco atrapada en sus hilos. La creación de la Compañía Ánima y el Taller que tenemos hace doce años junto a Lucila, me permitió investigar distintas formas de construcción y materiales, conocer más a fondo las posibilidades de la materia y la mecánica que hace a esta técnica.

    Lo que más me apasiona de este arte es el desdoblamiento que sucede cuando animó una marioneta: esa experiencia de estar en mi cuerpo y, al mismo tiempo, en otro, observar cómo un objeto cobra vida, y al mismo tiempo ser quien lo hace posible. ¡Es una forma de arte increíble! 

    • Hasta ahora ¿Cuál es el momento más destacado de tu carrera como titiritera?

    Hay muchos que llevo en la memoria. Haber actuado en la cárcel de mujeres de Batán, fue uno que me marcó mucho. Tengo la suerte de hacer un tipo de teatro que no necesita estrictamente del teatro (en tanto espacio) para existir. Para mí es una suerte porque eso me permite ir hasta la gente, ir en busca del público, encontrarlo en las calles, en los barrios, en las plazas y poder cruzar márgenes y fronteras para que mis marionetas lleguen tanto a otros continentes como a los lugares más olvidados de mi propia ciudad, donde el Estado y los políticos no llegan.  

    • ¿Qué consejo le darías a alguien que quiera iniciarse en el mundo de las marionetas?
    • Que juegue, que experimente sin miedo, que se deje sorprender y que sea tolerante a la frustración. Las marionetas son muy nobles y la animación guarda la historia de la humanidad, es una forma de arte increíble y única.
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